Dies führte zu dem, was der Kunsthistoriker Ernst Gombrich als "ein Selbstbewusstsein, das die Menschen dazu brachte, den Stil ihres Gebäudes so zu wählen, wie man das Muster einer Tapete auswählt".
Die Pioniere der modernen Kunst waren Romantiker, Realisten und Impressionisten. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts begannen sich weitere Bewegungen herauszubilden, die die moderne Kunst beeinflussen sollten: der Post-Impressionismus sowie der Symbolismus.
Die Einflüsse auf diese Bewegungen waren vielfältig: Sie reichten von der Auseinandersetzung mit östlichen dekorativen Künsten, insbesondere der japanischen Druckgrafik, über die koloristischen Innovationen von Turner und Delacroix bis hin zur Suche nach mehr Realismus in der Darstellung des gewöhnlichen Lebens, wie er in den Werken von Malern wie Jean-François Millet zu finden ist.
Zu den Bewegungen, die im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts aufblühten, gehörten Fauvismus, Kubismus, Expressionismus und Futurismus.
In den Jahren zwischen 1910 und dem Ende des Ersten Weltkriegs und nach der Blütezeit des Kubismus entstanden in Paris mehrere Bewegungen. Giorgio de Chirico zog im Juli 1911 nach Paris, wo er sich seinem Bruder Andrea (dem als Alberto Savinio bekannten Dichter und Maler) anschloss.
Durch seinen Bruder lernte er Pierre Laprade kennen, ein Mitglied der Jury des Salon d'Automne, wo er drei seiner traumhaften Werke ausstellte: Rätsel des Orakels, Rätsel eines Nachmittags und Selbstbildnis. Im Laufe des Jahres 1913 stellte er seine Werke im Salon des Indépendants und im Salon d'Automne aus, und sein Werk wurde von Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire und mehreren anderen bemerkt. Seine fesselnden und geheimnisvollen Gemälde gelten als ausschlaggebend für die frühen Anfänge des Surrealismus. Das Lied der Liebe (1914) ist eines der berühmtesten Werke von de Chirico und ein frühes Beispiel des surrealistischen Stils, obwohl es zehn Jahre vor der "Gründung" der Bewegung durch André Breton im Jahr 1924 gemalt wurde.
Der Erste Weltkrieg beendete diese Phase, deutete aber den Beginn einer Reihe von Anti-Kunst-Bewegungen an, wie z.B. Dada, einschließlich des Werks von Marcel Duchamp, und des Surrealismus. Künstlergruppen wie de Stijl und Bauhaus entwickelten neue Ideen über die Wechselbeziehung von Kunst, Architektur, Design und Kunsterziehung.
Mit der Armory Show 1913 und durch europäische Künstler, die während des Ersten Weltkriegs in die USA zogen, wurde die moderne Kunst in den Vereinigten Staaten eingeführt.
Freie Kunst
Freie Kunst beschreibt Kunstformen, die in erster Linie für die Ästhetik und/oder das Konzept und weniger für die praktische Anwendung entwickelt wurden. Das Wort "Kunst" ist oft ein Synonym für freie Kunst, wie es in dem Begriff "Kunstgalerie" verwendet wird. Im Gegensatz hierzu steht die "angewandte" Kunst wie z.B. Design oder das Kunsthandwerk.
Historisch gesehen waren die fünf Disziplinen der freien Kunst Malerei, Bildhauerei, Architektur, Musik und Poesie, wobei die Kleinkunst auch Drama und Tanz umfasste. Heute umfasst die freie Kunst üblicherweise die bildende Kunst und die darstellenden Künste, wie Malerei, Zeichnung, Skulptur, Collage/Assemblage, Installation, Kalligraphie, Musik, Tanz, Theater, Architektur, Film, Fotografie, Konzeptkunst und Druckgrafik. In einigen Lehranstalten oder Museen wird jedoch die freie Kunst ausschließlich mit Formen der bildenden Kunst assoziiert.
Eine Definition der freien Kunst ist "eine visuelle Kunst, die als in erster Linie zu ästhetischen Zwecken geschaffen und nach ihrer Schönheit und Aussagekraft beurteilt wird (l´art pour l´art), insbesondere Malerei, Skulptur, Zeichnung, Grafik und Architektur". Diese Definition neigt dazu, visuelle Kunstformen auszuschließen, die als Kunsthandwerk oder angewandte Kunst angesehen werden könnten, wie z.B. Textilien. Die visuellen Künste wurden als eine umfassendere und beschreibendere Phrase für die aktuelle Kunstpraxis und die Explosion der Medien beschrieben, in denen die hohe Kunst heute stärker anerkannt wird.
